3 sätt att dra storyboards

Att skapa storyboards är ett bra sätt att kartlägga din film och skapa en klar vision för varje scen, och det är väldigt lätt att komma igång! Vi har sammanställt en guide för att gå igenom allt du behöver veta om att rita dina egna storyboards som en professionell. Kolla in stegen nedan för att lära dig hur du skapar en storyboardmall, kom med intressanta bilder och fyll i dina storyboards med ritningar, dialog och viktiga anteckningar du har.

Steg

Metod 1 av 3:

Storyboarding en scen

1. Fyll i ditt skript innan du börjar på Storyboards. Om skriptet är en mall för hur en film kommer att låta, är en storyboard mallen för hur de ser ut. Storyboards är hur du visualiserar hur skådespelare, rekvisita, bakgrunder och kameravinklar kommer att passa ihop i någon speciell scen eller sekvens av skott. Det är din chans att visuellt kartlägga filmen innan dyra kameror, skådespelare och besättningar väntar på uppsättning.

Det sagt, en av arbetstillfällen är att ta skriptet och förbättra det genom att lägga till visuella. Du måste känna till den fulla bågen i historien innan du börjar.

2. Rita rutor för varje scen, lämna utrymme för dialog under. När du har skrivit ditt skript och har en uppfattning om vad som händer i din film, få dig lite papper eller affischbräda för att montera din storyboard på. Som en komiskremsa representerar varje kvadrat ett skott eller scen och utrymmet är där du fyller i dialogen, anteckningar eller handling.

Medan du kan rita dina egna brädor finns det många gratis mallar online som du kan skriva ut för att börja skissera omedelbart.

3. Upprätta platsen och några viktiga objekt, i din första låda av scenen. Storyboards viktigaste funktion är att visa hur skottet kommer att se. För din första styrelse vill du ha alla nödvändiga detaljer så att människor läser det vet var de är. När du undrar vad du ska inkludera, fråga alltid frågan: "Är det viktigt att förstå scenen?"

När som helst du byter platser måste du rita i en ny bakgrund. Kom ihåg att du berättar historien visuellt. Försök att föreställa dig vad du behöver se om det här var en film.

Om bakgrunden inte förändras mellan skott kan du lämna den tom och fokusera på åtgärden.

4. Använd pilar och anteckningar för att visa någon rörelse eller ändringar. Till exempel, om du vill ha en karaktär att slå en annan, behöver du inte rita fem ramar av hans näve som rör sig långsamt mot ett ansikte. Rita istället en ram av näven med en pil som indikerar rörelsen.

Du kan också använda pilar för att indikera kamera rörelser, till exempel pannor eller lutningar.

5. Fyll i scenens dialog och låter under ritningen. Kom ihåg att du i grund och botten gör en serietidningsversion av filmen, så du borde också lägga till viktiga ljudeffekter. Oroa dig inte om det inte passar dig - du ger bara markörer till direktören och besättningen om var ljudet är matchat, så ellipser ("...") kan hjälpa.

6. Gör en ny ram för varje signifikant åtgärd eller kamera rörelse. När något händer behöver det sin egen låda. Om du utarbetar en konversation, vill du byta från ett tecken till en annan som de pratar, liksom några skott av dem båda samtidigt. Du måste rita var och en av dessa skift individuellt.

Du kan inte bara rita 1-2 lådor och säg "Alternativa bilder" För en konversation. Föreställ dig en scen där en mamma är arg på sin son för att bryta en lampa. Att visa hela saken från den ledsna eller rädda sonen är en väldigt annorlunda scen från att visa den rasande mamma hela tiden, skära fram och tillbaka, eller visa den trasiga lampan.

7. Fyll i väsentliga anteckningar om rörelse, ljud eller specialeffekter. Om en scen kräver lite falskt blod, notera det antingen med en röd penna eller jottar ner det. Om skottet kräver en lång, kontinuerlig ta, använd pilarna för att ange hur allt flyter. Medan det finns lämpliga villkor för allt detta, är det viktigaste visuellt att berätta historien, men du kan. Om det är vettigt som en guide till filmning, sätt det i.

Om kameran inte skär, men många saker händer, kan du använda flera lådor för en "skära." När något händer behöver du en ny låda, även om kameran inte rör sig.

Metod 2 av 3:

Förbättra dina storyboards

1. Hitta sätt att uttrycka skriptets teman visuellt. Låt inte skriptet "tala för sig själv-" De bästa filmerna är tematiskt relaterade på alla nivåer: skrivning, storyboarding, ljudeffekter, agerande mm. Det är ditt jobb att ta ett bra skript och vända det till bra visuella. Varje scen, fråga dig själv vad målet med scenen är, vad är stämningen eller tonen, och vad de viktigaste rekvisita, karaktärer eller stunder är. Hur kan du uppmärksamma dessa saker?

Hitta det mest avgörande elementet i scenen och hitta ett sätt att dra publikens uppmärksamhet åt det i varje skott, vilket gör det större och centrerar det, zoomar in i det mm.
Gene Wilder var inte en storyare, men han trodde som en visuell komiker. I Willy Wonka, den berömda intro där han "av misstag" resor, faller och rullar till raucous applåder upprättades av honom som ett sätt att skildra Wonka så kul, konstigt och gömmer sig bakom en komisk fasad.

2. Undvik platta, tvådimensionella kompositioner genom att alltid fiska kameran. Det du inte vill ha är ett helt platt våning, där kameran är i rätt vinkel mot marken. Lutning av skottet ger lite storyboard tre dimensioner, även om det bara är ett litet skifte. Straight on Shots är nästan aldrig lika spännande som dynamiska, 3D-kompositioner.

Använd förgrunden och bakgrunden till din fördel också - lägg inte varje karaktär eller sak på samma djuplinje.

Glöm inte den långt, långt bakgrunden heller - det är ett bra ställe att skapa djup.

Naturligtvis finns det gott om skäl att bryta denna regel, till exempel att skapa ett perfekt symmetriskt skott. Bara vet varför du bryter regeln innan du gör det.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 10

3. Ge motivation att klippa kameran istället för att bara ändra skottet. Vanligtvis är det uppenbart - om en annan karaktär talar, måste du klippa för att visa dem. Om någon hör ett buller bakom dem, skär du till platsen som bullret kom ifrån. Alla goda nedskärningar måste ha en anledning att inträffa - om det är tomt, tecken, skiftande uppmärksamhet eller ett rent konstnärligt val.

En av de mest kända nedskärningarna är någonsin i 2001: Ett utrymme Odyssey, där regissören Stanley Kubrick skär från ett flygvape till en satellit i rymden. I ett snitt bryter han gapet mellan primitiv man och framtida man samtidigt som det medför att lite har förändrats men inställningen.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 11

4. Använd vinkeln på en kamera för att indikera teckenförhållanden och känslor. Vinkeln på ditt skott berättar publiken hur man känner för karaktärerna eller scenerna. Du kan använda detta faktum i oändliga sätt och bör alltid fråga dig själv hur din kameravinkel hjälper eller hindrar skottets punkt. Till exempel:

Ser ner på en karaktär gör att de verkar svaga, rädda eller maktlösa. Tittar upp gör att någon verkar kraftfull, självsäker och dominerande.

Extrema vinklar som mycket höga, mycket låga, eller titeln Shots visar förvirring, rädsla, eller och off-the-wall-upplevelse som en drogresa.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 12

5. Försök skriva ut scenen som prosa om du kämpar för att komma igång. Sitter ner och börjar scenen, vilket gör svåra val som kameravinkel och komposition, är svårt om du inte är säker på vilken riktning du vill ta saker än. Ett bra mellanliggande steg är att skriva ut scenen som en kort historia. Vilka delar dyker upp så viktigt, vilka detaljer sticker ut när du skriver, och vad är de viktigaste åtgärderna i varje skott? Du kan sedan redigera detta mini-script som en övning som körs innan du ritar.

Hålla fast vid bara 1-2 beskrivningar för varje skott eller scen. Du skriver inte en roman, du skriver en guide.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 13

Studera cinematografi. Storyboards är i huvudsak övar skott av en film. Som sådan är de mål att använda brädorna för att ställa in aktuella lampor, kameror och uppsättningar för att mima det skott som du drog upp. Dykning djupt i skotttyper, färgkomposition, kameravinklar, och mer kommer att öka din verktygskit som en berättare.

Att dra en storyboard är billigt, men skytte är inte. Om du arbetar på en större film måste du veta den grova svårigheten med skott att veta om de är möjliga. Way-up-shots kan se fantastiska och passa filmen, men helikopterfilm är mycket dyr!

Metod 3 av 3:

Storyboarding som en professionell

1. Lär dig terminologin för vanliga kameravinklar. Lita inte bara på att dra för att få din poäng över - filmvärlden är full av vokabulär som gör ditt jobb enklare och dina storyboards mer exakta. Att skriva ner kameravinklar hjälper kameror besättningar snabbt se vilka skott de måste förbereda sig för, och låter dig se om du blir oavsiktligt repetitiv med ditt skottval.

Etablering av skott: Snabba bilder som illustrerar set, plats eller startposition för tecknen.
Full, medium, nära, extremt nära: Om du visar en karaktär, hur mycket visar du? Full (FS) visar hela kroppen, medium (MS) visar midja upp, nära (CU) visar axlar och huvud och extrema närbild (ecu) bara.
Upp Shot / Down Shot: Upp skott ser upp på ett tecken, medan nedskärningar ser ner från ovan. "Worms öga" och "Fågelöga" är de extrema versionerna av varje.
Över axeln (OTS): En av dina viktigaste termer, dessa skott har en person eller sak på sidan av ramen, tillbaka, medan du tittar på en annan. Mycket vanligt i konversationer mellan två personer.
Två-shot: När båda tecknen, som vanligtvis talar med varandra, är båda i ramen på en gång. När du ritar dialog, växlar två skott ofta med OTS-skott.
POV-skott Är helt enkelt när kameran efterliknar synvinkeln med ett tecken.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 15

2. Bekanta dig med kameramotioner för att illustrera rörliga eller byta skott. Följande lista är inte uttömmande, men det är en bra primer på att skriva sammanhängande storyboards. När du vill lägga till en, skriv den faktiska kamerans rörelse på Storyboard.

Spårning är när kameran följer åtgärden utan att klippa, som att följa någon när de går ner på gatan. Använd pilar för att indikera rörelse och flera ramar om det behövs.

Pannor är när kameran helt enkelt roterar i en riktning, följer ofta ett tecken när de flyttar eller exponerar något nära dem. Rita en pil som illustrerar kamerans riktning.

Lastbil är när kameran fysiskt rör sig in eller ut. Föreställ dig ett skott av en TV, sedan kameran långsamt "trucking" Tillbaka för att avslöja en familj som tittar på TV: n i vardagsrummet. Använd 4 linjer, pekar från mitten av skärmen ut till hörnen, för att visa trucking.

Rackfokus Är när du har ett suddigt föremål i bakgrunden och en klar i förgrunden, skiftar fokus från en till den andra (den kan gå i omvänd också). Rita en linje som indikerar var fokusen börjar och var det flyttas till.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 16

3. Göra lämpliga anteckningar om övergångar mellan skott. Följande nedskärningar är några av de vanligaste i filmen, och måste noteras i din storyboard. Var och en kräver en liten ritning tillsammans med orden, visuellt representerar övergången. Börja med en liten rektangel, som representerar skärmen, strax före dialogen, fyll sedan den här rektangeln med din övergång:

Fade In / Fade Out: Det här är helt enkelt när bilden visas eller försvinner långsamt från en tom skärm. För en blekna, rita en triangel som pekar kvar. För en blek ut, rita en triangel som pekar rätt.

Korset upplöst: När en bild sakta bleknas i nästa. För att rita det, gör två skärande trianglar i lådan, från alla fyra hörnen. Det är blekna ut och blekna i ritningar överlagda på varandra.

Torka: När en bild fysiskt rör sig över skärmen, avslöjar nästa skott under den. Rita helt enkelt en vertikal linje i mitten av rektangeln, och en pil som löper genom den för att ange vilket sätt den första bilden rör sig.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 17

4. Kom ihåg grundläggande blockeringsinstruktioner för att hjälpa till att ställa in scenen och aktörerna. Följande termer hänvisar till ett objekts plats i skottet. Det kan också hjälpa till att rikta motion, till exempel om en karaktär går från baksidan av skottet fram, vilket kan uttryckas som "Bg → fg."

Förgrunden (FG): Området stänger upp till kameran.

Midground (mg): Mitten av ramen

Bakgrund (BG): De är längst bort från kameran.

Off-Screen (O / S): Användbart om det finns ett ljud, dialog, etc. att tittarna inte kan se, eller om en karaktär går in eller lämnar ramen helt.

Överlägg (ol): När ett objekt eller bild är överlagd på en annan men båda är synliga.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 18

5. Märk dina skott korrekt så resten av besättningen kan läsa dem. I allmänhet a "scen" på en storyboard hänvisar faktiskt till en obruten kamerarörelse, inte en fullständig händelse. Dessa scener läggs till tillsammans för att bilda en "sekvens," vilket är hela åtgärden, konversationen, som du visar (vad du normalt kallar a "scen").

När kameran skärs måste du ändra scennummer för att ange ett nytt skott.

Om en enda scen kräver flera åtgärder, alla utan att byta kameran märkas de som paneler. Om ett skott kräver tre storyboards, skulle du märka varje panel som 1/3, 2/3 och 3/3.

Bild med titeln Draw Storyboards Steg 19

6. Syfte för tydlighet, inte perfekta symboler eller vocab, om du är förvirrad. Det ultimata målet med en storyboard är att visuellt berätta för filmen, för att inte passera ett ordförrådstest. Medan du alltid ska sträva efter att lära dig terminologin, vill du att storyboards lätt kan läsa av styrelseledamöter, biografiska, och resten av besättningen. Om du har en idé men vet inte hur man uttrycker det, använd dina ritningsförmåga för att förmedla punkten så enkelt som möjligt. Pilar, anteckningar och flera paneler ska alla användas för att dela dina kreativa idéer när ord inte räcker.

Föreställ dig ett långt, singulärt skott, som början av Rasande tjur. Medan det inte finns något snitt, kan du aldrig innehålla det skottet på bara en panel. Du skulle behöva stränga många paneler tillsammans med pilar, anteckningar och dialog för att planera skottet ut.

Vocab-listorna ovan är långt ifrån, det finns hundratals ord, skott och cues en pro storyboardare använder. För att vara en professionell bör du fortsätta att undersöka professionella villkor.